16/2 : Ivry-sur-Seine, Théâtre d’Ivry Antoine Vitez

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14/2 : Vincennes, Espace Georges Pompidou

De la Havane à La Nouvelle-Orléans, en passant par Paris et Rio, zoom sur les héros de la six-cordes

À Villeurbanne et alentour, pendant plus de trois semaines, la guitare et ses virtuoses seront sous le feu des projecteurs. Véritable trait d’union entre les styles, la six-cordes est le seul fil conducteur de cette programmation qui réserve bon nombre de belles surprises, à commencer par Kaki King, phénomène guitaristique de la génération Youtube qui décoiffe son monde grâce à une technique et un doigté époustouflants.

Que ce soit en picking, en tapping ou à coup d’accompagnements percussifs, la jeune femme réussit à créer de riches orchestrations qui remplissent l’espace et se suffisent à elles-mêmes. Un one woman band de talent à ne pas manquer. Dans la catégorie du swing manouche cette fois, il faudra tendre l’oreille du côté du quartette ardéchois Les Doigts de l’Homme : trois guitaristes, un contrebassiste, de l’humour, de la complicité et une mise en scène bien rodée sont les rouages de cette joyeuse machine musicale qui promet de bons moments.

À souligner également, le rendez-vous tout en intimité avec Marianne Faithfull à l’occasion d’un concert unplugged où elle ne sera accompagnée que d’un guitariste.

Amir John Haddad, Thibault Cauvin, Broken Bow, Gadjo Loco, Johnny Winter, Florent Marchet, Cristina Azuma…

10/11-3/12 : Villeurbanne et environs (divers lieux)

Le site du festival

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Dix jours de réjouissance et une longue liste d’artistes. Du jazz, certes, mais pas que. Le festival propose également de belles incursions en territoires pop, electro, folk, blues, chanson… et même metal ! Du blues, parlons-en, il y aura de quoi combler les amateurs : Joe Louis Walker, l’une des plus grandes étoiles du blues contemporain, Shemekia Copeland et son blues écorché, Black Joe Lewis, chaînon manquant entre le blues rural et le punk-rock américain, ou encore Dick Annegarn et son blues venu du nord. Du côté du jazz, c’est du 100% pur jus : Tigran Hamasyan, Youn Sun Nah, Raphael Gualazzi, Ibrahim Maalouf pour la jeune garde, et Henri Texier, Charles Lloyd, Billy Cobham, Mulatu Astatké pour les vieux habitués qu’on ne présente plus. Du monde au balcon donc pour l’une des premières célébrations musicales de l’automne.

Chucho Valdés & The Afro-Cuban Messengers, Ndidi O, Louis Sclavis, Stefano Bollani, China Moses, Alela Diane, Sophie Hunger, Kid Creole & The Coconuts… www.nancyjazzpulsations.com

5-15/10 : Nancy

Avec ses faux airs d’étudiante, la guitariste s’impose comme l’une des artistes les plus originales apparues ces dernières années. A écouter à Banlieues Bleues

Une tournée avec le Sun Ship de Marc Ribot à peine achevée, elle reprend la route en décembre avec Thirteen Assembly qui l’associe à Jessica Pavone, Taylor Ho Bynum et Tomas Fujiwara, un quartette emblématique de sa génération. Des faux airs d’étudiante, un brin de nonchalance, la guitariste s’impose comme l’une des artistes les plus originales apparues ces dernières années. Découverte aux cotés d’Anthony Braxton, puis repérée au sein du trio Convulsant de Trevor Dunn, elle a aussi fait ses armes avec le groupe d’avant-rock People, s’est fait entendre avec Tom Rainey ou Jason Moran. La demoiselle ne (se) refuse aucune passerelle entre les genres, récuse les étiquettes. Si elle regrette de ne pas avoir assez de temps pour composer et répéter avec ses propres groupes, Mary Halvorson n’a rien d’une femme pressée. À 30 ans, elle est sûre de ses choix et vit son parcours comme un challenge.

Et elle n’a pas fini de déconcerter. Aussi à l’aise dans les fragrances du rock que sur les arrangements les plus pointilleux, elle conjugue une certaine maîtrise classique de la guitare et un art du dérèglement soudain. Avec un jeu à la fois in & out, traversé de dissonances, de brusques distorsions, qu’elle a développé par la pratique de l’improvisation libre, sans que l’on puisse pour autant signaler une filiation directe avec ses aînés. À 12 ans, elle a le coup de foudre pour Jimi Hendrix et adopte l’instrument, mais elle prévient : « Ce ne sont pas les guitaristes qui ont été importants pour moi. » Si elle a étudié avec l’un d’entre eux, Joe Morris, il ne jouait jamais de guitare pendant les leçons, mais de la contrebasse, « pour que je ne sois pas influencée, que je trouve mon propre son. » La rencontre d’Anthony Braxton, à la Wesleyan University fut, elle, décisive. «Il m’a ouvert les portes d’un autre monde. Il nous encourageait à aller au-delà des limites, sans règles préétablies, si ce n’est les siennes, son propre système musical, que nous apprenions en jouant dans ses ensembles. J’avais 18 ans, c’est incroyable d’être confrontée à cela à cet âge.» C’est à ses côtés qu’elle rencontrera de futurs compagnons de route, la violoniste Jessica Pavone ou le trompettiste Taylor Ho Bynum.

En créant son propre trio (le premier album, Dragon’s Head est sorti en 2008), avec John Hebert (contrebassiste d’Andrew Hill) et Ches Smith (batteur du Ceramic Dog de Marc Ribot), elle réinvente une grammaire orchestrale que l’on croyait immuable. Puis en propose une extension avec deux souffleurs, Jon Irabagon et Jonathan Finlayson en enregistrant Saturn Sings (2009). Mary Halvorson déploie ses ailes en gardant à l’esprit l’idée des formes ouvertes chères à Braxton, mariant subtilement écrit et improvisé, sans jamais perdre de vue la nécessité du «work in progress». Avec une étonnante fraîcheur d’inspiration, et surtout, un sens de la structure d’ensemble pas si fréquent. «Mon père est architecte, signale-t-elle, il y a beaucoup de similitudes entre la composition et l’architecture, un processus de réflexion, une même obsession des détails.»

En concert le 6 avril à Saint-Ouen dans le cadre de Banlieues Bleues. Au même programme: Esperanza Spalding

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Enorme exclusivité pour le Festival d’Ile de France qui ouvre ce soir: la venue du meilleur groupe de salsa actuel: les New-Yorkais de Spanish Harlem Orchestra

Un jour au début du XXIe siècle, quelque part à Harlem. Le producteur Aaron Levinson et le pianiste-arrangeur Oscar Hernandez ont l’idée de rendre hommage à l’âge d’or de la salsa avec de jeunes talents d’aujourd’hui. Le moment leur semble opportun de revenir au son brut et organique qui agitait le barrio de Harlem dans les années 60 et surtout 70. Le Spanish Harlem Orchestra est né ainsi, comme une réaction épidermique à la mièvrerie de ce qui se vend aujourd’hui à New York sous l’étiquette «latine».

«Depuis le milieu des années 80, la pop américaine a envahi la musique latine, explique au téléphone Oscar Hernandez. Quelque chose s’est perdu, on a cherché à le retrouver.» Ils réunissent alors la crème des musiciens latinos de New York et s’adjoignent les services de trois chanteurs dont le légendaire Jimmy Sabater. Le résultat, Un Gran Dia En El Barrio, ne dépareillera pas dans votre collection aux côtés des albums les plus âpres de Willie Colon.

Alors, rétro le Spanish Harlem Orchestra ? «Je n’utiliserais pas ce mot, lâche Hernandez, parce qu’il a une connotation négative, mais il y a indéniablement des éléments rétro dans le groupe : on l’a formé pour ça. Cela dit, les musiciens qui sont dans ce groupe peuvent jouer de tout. Ils ont écouté la timba, le hip hop. C’est le matériel qui est rétro, mais tout le monde dans le groupe garde une oreille ouverte sur ce qui se passe.» Le Spanish Harlem Orchestra ne peut tomber mieux. La vogue des écoles de danse salsa a fait naître toute une nouvelle génération d’amateurs pour qui il n’existe pas de salut en dehors du son 70’s authentique.

Mais tout n’est pas rose dans ce Spanish Harlem d’aujourd’hui où les meilleurs musiciens peinent à trouver du travail, où les labels indépendants de musique latine ont disparu et les clubs où se produire se font rares. «D’une certaine façon, c’est la pire période que j’ai connue depuis 30 ans. À l’époque, il y avait au moins 25 à 30 clubs sans compter les clubs privés. Aujourd’hui, s’il y en a 7 ou 8, c’est le maximum.» Aujourd’hui, un groupe comme le Spanish Harlem Orchestra est un trésor à chérir. Car l’avenir est incertain.

«C’est le business qui décidera si ce groupe sera juste un épisode ou s’il y aura une suite. En ce qui me concerne, je suis prêt à retourner en studio dans la minute.» Le business pour une fois a eu raison. Le SHO a enregistré depuis trois autres disques dont le récent Viva La Tradicion, a été invité sur trois morceaux du dernier Lavilliers et ouvre en exclusivité européenne le Festival Banlieus Bleues. Et si on écoutait à nouveau de la salsa ?

Le 12 mars à Epinay-Sur-Seine avec en première partie Interactivo. Infos et réservations: Le site de Banlieues Bleues et par téléphone au 01 49 22 10 10

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CHICO FREEMAN SERA LE 1ER FEVRIER A SAINT-MANDE (AVEC GEORGE CABLES (piano), LONNIE PLAXICO (basse), WINARD HARPER batterie))

(retrouvez l’intégralité de cette interview dans So Jazz : parution le 15/2)

Il revient d’Afrique, du Sénégal, fait une halte en Grèce, avant de venir jouer en France à Sons d’Hiver. Chico Freeman a plusieurs projets simultanés. Loin des feux médiatiques, le saxophoniste de Chicago, fils de Von Freeman, enfant du free, mais fidèle à la tradition, vit le jazz comme une passion, sans compromis. La soixantaine entamée, son discours enthousiaste, intègre, illustre une approche de son art héritée de ses devanciers et fortifiée par d’innombrables rencontres et expériences : Memphis Slim, Buddy Guy, Earth Wind & Fire, The Temptations, Charles Mingus, Dizzy Gillespie, Sun Ra, Elvin Jones, McCoy Tyner, Don Pullen, Tito Puente, …

Vous avez grandi dans une famille totalement immergée dans le jazz ?

Oui, avec mon père, saxophoniste bien sûr, mais aussi mes deux oncles, George, guitariste et « Bruz », batteur. Les trois avaient joué avec Charlie Parker. J’avais aussi un grand-père paternel pianiste, qui était ami de Louis Armstrong. Ma grand-mère chantait du gospel. Surtout, j’ai vu mon père jouer avec énormément de grands musiciens pendant ma jeunesse : il animait des jam sessions en club à Chicago et quand les artistes en tournée passaient par là, ils jouaient avec lui.

Vous avez commencé par la trompette ?

J’ai d’abord appris le piano, puis la trompette, avant de passer au saxophone plus tard. J’étais un grand admirateur de Miles Davis. J’apprécie les autres trompettistes, Clifford Brown, Freddie Hubbard, mais j’étais totalement fasciné par le son de Miles. Quand je suis passé au ténor, John Coltrane est devenu mon influence majeure, il le reste jusqu’à aujourd’hui. J’ai ensuite étudié à la Northwestern University. Le week end, je suivais mon père, et j’ai eu la chance de côtoyer ainsi Clifford Jordan, Rahsaan Roland Kirk. C’était un peu comme d’être lancé au milieu d’une piscine sans savoir nager. Il fallait se débrouiller, apprendre sur le tas. Ce fut une bonne école.

Mais vous avez commencé par jouer du blues à côté de cela ?

Oui, dans les groupes de Memphis Slim, Buddy Guy. C’est essentiel de comprendre et de jouer le blues.

Puis vous avez multiplié les engagements dans le rhythm’n’blues ?

Il y avait une scène musicale très forte à Chicago. J’ai travaillé en studio avec Curtis Mayfield, The Five Stairsteps. Maurice White, qui avait été batteur dans le groupe de mon père, puis dans le Ramsey Lewis Trio, venait de fonder Earth Wind & Fire : j’ai joué avec leur section de cuivres avant qu’elle ne devienne les fameux Phenix Horns. Il y avait Don Myrick – le célèbre chorus de « Reasons », c’était lui -, Louis Satterfield aussi. A un moment, le groupe est parti pour la Côte Ouest et a évolué avec les arrivées de Philip Bailey et Larry Dunn. Je suis parti dans l’autre direction, pour New York, vivre pleinement ma vie de jazzmen.

Ce fut un moment clé  de votre carrière ?

Oui, j’avais fait plein de gigs dans la soul, avec The Temptations, The Four Tops, j’aurais pu rester dans cette filière. J’aime beaucoup cette musique. Mais j’avais rencontré et joué avec Charles Mingus. Il m’avait conseillé de partir à New York, pour progresser, avancer.

Toute votre carrière, vous avez abordé différentes sortes de musique, sans ostracisme.

Non, il y a de belles choses dans tous les styles. Je ne dénigre jamais les genres musicaux en général. Il y a des artistes géniaux dans les musiques pop et des trucs qui ne m’intéressent pas dans le jazz. Et inversement. Mais ces multiples expériences m’ont enrichi. J’ai même joué avec The Eurythmics, avec Sting. Je suis allé en Jamaïque où j’ai joué du reggae avec les musiciens de Bob Marley, quelques années après sa mort. Je suis allé à Cuba pour croiser les grands musiciens de là-bas. Quand le hip hop a débarqué, j’ai été l’un des premiers jazzmen à dire publiquement que je comprenais les racines de cette expression, qu’il ne fallait pas dresser de barrière entre nos générations. Le fils de mon ami Olu Dara, Nas, n’a pas construit sa carrière sans un héritage.

Avant de partir à New York, vous aviez rejoint l’AACM (The Association for the Advancement of Creative Musicians), qu’en avez-vous retirez ?

J’ai beaucoup appris de gens comme Richard Muhal Abrahams. Ce fut une période passionnante. Très créative. Quand vous travaillez avec Henry Threadgill, Steve McCall, Fred Hopkins, Lester Bowie, Roscoe Mitchell, vous apprenez énormément. Sur la composition, sur l’arrangement. Et le soir, en rejoignant mon père, je voyais en club Gene Ammons, Don Byas, Dexter Gordon, Sonny Stitt.

Vous étiez en fait au milieu de deux écoles : la tradition et l’avant garde.

Oui, mais il y avait un lien évident entre les deux. J’ai toujours trouvé ces cloisonnements restrictifs. Les musiciens de l’AACM étaient de grands connaisseurs de l’histoire du jazz. Comme l’avaient été des novateurs comme Mingus, Duke Ellington ou John Coltrane. Leurs racines étaient évidentes. Et quelqu’un comme Richard Muhal Abrahams par exemple, pouvaient rester des heures à m’expliquer le jeu de James P. Johnson, ou d’autres musiciens d’avant Charlie Parker.

En arrivant à New York, vous avez tout de suite intégré la scène free ?

Oui, j’ai rejoint Fred Hopkins. Il partageait un appartement avec David Murray et Stanley Crouch. Finalement, j’ai enchaîné les gigs avec Jeanne Lee, Olu Dara, puis John Stubblefield m’a contacté pour un engagement avec Nat Adderley. Il y avait Cecil McBee avec qui j’ai entamé là une longue relation. Finalement, je ne suis jamais retourné à Chicago. Quelques mois plus tard, j’ai eu la chance de jouer avec Elvin Jones, avec Don Pullen, …

Vous avez dit de votre passage dans le groupe d’Elvin Jones, qu’il avait été capital ?

Inconsciemment, je me rapprochais de John Coltrane. D’ailleurs, j’ai fini par jouer avec tous ses anciens partenaires : Elvin Jones, Reggie Workman, McCoy Tyner pendant cinq ans. J’avais sans doute ce rêve de croiser tous les membres de son ancien quartette. J’ai eu la chance de voir mon père jouer avec John Coltrane, quand j’étais tout gosse. Il est mort le 17 juillet 1967, le jour de mon anniversaire, comme s’il y avait une connexion entre lui, sa spiritualité et mon ressenti. Je connais toutes ses époques. Ses évolutions, son cheminement.

Vous avez aussi joué avec Sun Ra ?

Pendant un an. Mon père avait joué avec lui à Chicago. J’ai eu la chance de vivre cette expérience à mon tour : il y avait dans son orchestre des types géniaux. Ce fut une période inoubliable. On insiste sur les performances de l’Arkestra, on ne parle pas assez des compositions de Sun Ra.

C’est au début des années soixante-dix que l’on vous découvre en Europe.

Oui, j’ai commencé à tourner avec mon propre groupe, à signer mes premiers contrats en leader et à enregistrer mes premiers albums. Puis je suis entré dans le Special Edition de Jack DeJohnette. Une époque intense.

Malgré une carrière riche, vous êtes resté associé en premier lieu avec l’avant-garde du jazz.

Curieusement, parce que j’avais déjà évolué dans tellement de registres différents. Il faut croire que l’on aime vous réduire à une étiquette. En fait, ça m’a compliqué la vie. J’étais éclectique, aventureux, curieux. Je voyais le métier changer, la tendance se focaliser sur les super groupes. Du coup, en 1984, j’ai décidé de fonder The Leaders. Avec d’abord Don Pullen, Don Cherry, Arthur Blythe, Cecil McBee et Don Moye, puis avec Kirk Lightsey, Lester Bowie. Un super groupe, mais pas une réunion de noms : nous étions tous fortement connectés musicalement. Et nous étions décisionnaires de notre musique. Ca a duré douze ans, j’ai produit nos albums. Nous étions dans une veine expérimentale et bluesy. In et out.

…

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Sons d’Hiver fête ses vingt ans avec une programmation à la hauteur de l’événement et de son histoire. Entre tradition, avant-garde, fenêtre sur le monde, l’affiche promet la diversité. Joëlle Léandre ouvrira cette édition et célèbrera aussi ses 60 ans, en compagnie de Roy Campbell (tp), Mat Maneri (violon) et Marilyn Crispell (piano), le 21 janvier au Krémlin-Bicêtre. Le même soir, le UZ Quintet réunira Jacques Di Donato, Louis Sclavis, Philippe Laccarière, Fabrice Vieira  et Bernard Lubat.

A noter dans les premières soirées : Steve Lehman Octet le 22/1 au Musée du quai Branly.

Puis le 25/1 à Arcueil,  Marilyn Crispell (piano solo) et le Tinissima Quartet, une formation transalpine qui rend hommage à une grande photographe, artiste et militante italo-mexicaine des années 20 et 30,  avec le très attendu Francesco Bearzatti au saxophone.

Le 28/1, à Choisy le Roi, Matthew Shipp en solo précédera Geri Allen, accompagnée pour l’occasion par l’époustouflant danseur de claquettes Maurice Chestnut (ci-dessus dans une improvisation sur une chanson de Luther Vandross).

(à suivre …)

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Les 15, 16 et 17 juillet, le Malta Jazz Festival fêtait ses vingt ans d’existence, dans un cadre parmi les plus somptueux offert à un festival de jazz en Europe. Au pied des imposantes murailles érigées par les chevaliers de l’ordre de Malte pour protéger leur puissante cité de La Valette, le site des concerts fait face au Grand Port, d’où l’on aperçoit sur la rive opposée les fortifications des villes voisines, Kalkara, Vittoriosa et Senglea, qui s’illuminent le soir et donnent à la scène un cadre grandiose. Des navires marchands traversent le port alors que la musique bat son plein tandis que certains voiliers viennent se glisser à proximité pour profiter du jazz au mouillage.

Confiée depuis deux éditions aux bons soins de Sandro Zerafa, guitariste natif de Malte et parisien d’adoption, le festival s’est recentré sur le jazz après avoir un peu trop ouvert le spectre de sa programmation. Si l’affiche 2010, ne se démarquait pas expressément de celle de nombreux autres événements estivaux, elle assumait une couleur « new-yorkaise » avec la présence de The Bad Plus, du Double Trio de Joshua Redman et d’Ari Hoenig.

« Enfant » du festival dont il a suivi toutes les éditions depuis la deuxième au point d’y situer l’origine de sa propre vocation, Sandro Zerafa revendique cette orientation, en correspondance avec ses centres d’intérêt musicaux, qu’il articule à des têtes d’affiche plus consensuelles, le jazz étant, selon lui, « très récent à Malte » et les spectateurs plus curieux que connaisseurs. C’est une autre qualité de ce festival, dans cette île vouée au tourisme, que d’accueillir un public, essentiellement local. La manifestation est financée en grande partie par le Malta Council For The Culture And The Arts, qui en a fait un événement accessible, le pass pour les trois soirées coûtant seulement 30 euros, ce qui en fait l’un des festivals les plus abordables. Et, de fait, une destination originale pour combiner visites historiques et concerts.

Bad Plus ouvrit le bal. Faux look glacial d’employé de Wall Street pour le pianiste Ethan Iverson ; élégance hirsute et décontractée pour le contrebassiste Reid Anderson ; tatouages verts aux bras et tête dure, le batteur David King… les Bad Plus sont ces mauvais élèves du jazz qui aiment mixer Sonic Youth et Cecil Taylor, David Bowie et Andrew Hill, passant d’abstractions collectives aux rythmes concassés sous la plume du pianiste à des suggestions mélodiques d’inspiration pop proposée par le contrebassiste. Décalé, parfois un peu trop, le trio, à l’aube de la parution d’un nouvel opus, peut paraître un peu routinier, appliquant les mêmes recettes que lors de son arrivée fracassante en 2003. Sur le quai, le public est à la promenade, converse, socialise, d’une manière toute méditerranéenne.

Survolté dès son entrée en scène, Mike Stern n’est pas franchement un modèle de renouvellement non plus. Mais il a sous les doigts une frénésie de jouer qui semble inépuisable, cultivant sous de faux airs de Mick Jagger, une rock attitude teintée de phrases à la Wes Montgomery. Pléonasme que de trouver ce jazz-rock énergique, propulsé par Chris Minh Doky et Dave Weckl, auquel s’était joint un Randy Brecker qui n’évoluait guère en dehors des clichés.

Le Double Trio de Joshua Redman est la transposition scénique de son disque Compass : deux contrebassistes, Reuben Rogers et Matt Penman ; deux batteurs, Bill Stewart et Greg Hutchinson ; et autant de combinaisons. En forme de workshop, le saxophoniste joue des associations selon les morceaux, commençant et terminant au complet dans la descendance d’Ornette Coleman et de John Coltrane, laissant des espaces à chacun, lâchant la bride alors qu’on l’a connu plus contrôlé. Des quatre trios possibles, c’est peut-être l’association Rogers-Stewart qui fut la plus complémentaire. Au rappel, sur « Barracudas » de Gil Evans, le Double Trio donna la mesure de sa puissance et de son élasticité, offrant une profondeur de chant nouvelle au saxophoniste.

Esperanza Spalding aime chanter ; elle le fait souvent à tue-tête, avec des accents de Betty Carter autant que de Jill Scott, mais une voix plus quelconque et souvent forcée. « Let’s Fall in Love », lance-t-elle en s’accompagnant à la contrebasse, au public maltais qui ne manque pas d’adopter la jeune américaine, showwoman déjà bien rodée. L’ensemble hésite entre des démonstrations de fin d’études et des velléités groovy en forme de chansons d’amour stupides qui laissent attendre plus de maturité musicale.

Invité à ouvrir la troisième soirée, Charles Gatt, batteur maltais fondateur du festival, avait réuni un quartet de circonstances dans lequel on retrouvait la saxophoniste anglaise Amy Gamlen, membre comme Sandro Zerafa du Paris Jazz Underground, collectif de jazzmen parisiens, et sa sonorité singulière, entre Paul Desmond et Ornette Coleman. Répertoire ouvert, fraîcheur d’inspiration, un Gatt à la Paul Motian, sans effet de manche.

Le trio d’Ari Hoenig fut l’occasion de découvrir en chair et en os ce guitariste israélien dont la réputation grimpe en flèche parmi les musiciens à New York : Gilad Hekselman. Si l’on sait d’où il vient (une synthèse personnelle de Jim Hall, Pat Metheny et Kurt Rosenwinkel), on ne sait jamais où il va. En parfaite correspondance avec le batteur, comme d’habitude toutes ouïes dehors, dans un dialogue permanent aux réactions instantanées, Hekselman ne phrase pas, il joue avec les notes, dans des variations incessantes. Ce trio est-il le plus inventif depuis celui de John Scofield avec Steve Swallow et Bill Stewart ? Capable de transfigurer « Moanin’ » de Bobby Timmons (exposé a cappella par Hoenig jouant uniquement sur la hauteur des peaux) et « Moment’s Notice » de Coltrane, il offrit un feu d’artifice plus éblouissant que celui qui, au même moment, s’élevait depuis la rive opposée.

Richard Bona, avec un groupe roboratif et cosmopolite embrassant Cuba, l’Afrique, Weather Report et Malte en passant, ne parvint pas tout à fait à retrouver l’éclat et la facétie de ceux qui l’avait précédé, appelant de ses vœux une explosion qui avait déjà eu lieu, avant qu’il n’entre en scène, dans la nuit maltaise.

Photo de Joshua Redman par Sergio Muscat. Le site du photographe

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Le Nice Jazz Festival a vécu ses derrières soirées dans le site magnifique de Cimiez, entre le jardin des oliviers, la scène adossée au Musée Matisse et les arènes. L’an prochain, il déménagera en ville, au Théâtre de Verdure, et parmi les prétendants à la reprise de la direction de cette manifestation, Prince et son producteur se seraient mis sur les rangs.

Le 17 juillet, l’affiche était très éclectique. Ornette Coleman, costume bleu lamé, éternel chapeau mou sur la tête, dos légèrement vouté, se présentait en début de soirée. La sonorité maitrisée, le blues jamais très loin, sa prestation surprenait un public pas forcément rompu à cette façon de travailler mélodie, harmonie et couleurs, par touches, dans un art de la construction patient et remarquablement intelligent.

Philip Bailey, chanteur d’Earth Wind & Fire, équipé de son oreillette, dans le public, près à filer assurer son propre show, tenta d’en capter le maximum. Côté jardin, Sharon Jones et ses Dap Kings avaient fait le métier. Sans génie, mais avec une vraie générosité. La soulwoman est a son meilleur quand ses comparses lui offre de nouveaux thèmes, et pas seulement des tourneries façon JB’s où la comparaison avec l’original est cruelle.

Earth Wind & Fire, avec le trio fondateur Ralph Johnson, Verdine White et Philip Bailey, ouvrit son set avec « Boogie Wonderland ». Puis, le groupe, sans apparat, ni costumes, ni jeux de lumières ou autres effets pyrotechniques, contrairement à certaines époques, s’est centré sur le répertoire de sa grande époque, la première, celle des années soixante-quinze, de « That’s The Way Of The World », « Shining Star », « Got To Get You Into My Life », « Getaway ». Où ressortait la richesse des compositions et des arrangements (cuivres compris) d’un groupe de vétérans en pleine possession de son art, jouant pour le plaisir, un afro-jazz-funk à la fois brillant et immédiatement communicatif. Les tubes aidant (une incroyable série de titres fantastiques: « Sun Goddess », « In The Stone », « Fantasy », « Let’s Groove»), pulsés par la basse phénoménale de Verdine White, EW&F transformait le NJF en dancefloor à ciel ouvert.

Le lendemain, le 18 juillet, la petite Nikki Yannofsky, seize ans, faisait sa première sur la scène Matisse. D’une aisance folle, beaucoup de fraicheur : on devrait reparler de cette jeune fille déjà adoubée par Quincy Jones et Herbie Hancok à Montreux, quelques jours plus tôt. Dr. John attendu, avec la parution d’un très convaincant nouveau cd intitulé Tribal, n’a pas jamais paru capable de faire décoller un set poussif, une gageure pour un artiste passé maître dans l’art de corser le son néo-orléanais d’un funk poisseux irrésistible. Ron Carter, avec Mulgrew Miller et Russell Malone: dans un contexte extrêmement élégant, le trio jazz classique donnait à entendre une relecture des standards d’un grand raffinement.

Le 19, Al Jarreau, quelques jours avant un problème de santé qui fit craindre le pire, revint avec bonheur à son répertoire des années soixante-dix. Délaissant les hits crossover de sa période faste, il retrouva ce son jazz soul nuancé, celui de l’album We Got By, avec « You Don’t See Me », « Sweet Potato Pie », de This Time, avec le charme naturel et le tact que lui confèrent l’expérience et l’envie de renouer avec l’essence de son style.

Le 20, Le blues prenait le pouvoir, avec un Robert Cray alternant chansons élaborées et titres plus musclés. Toujours avec prestance, sans forcer. Ses solos au cordeau sont précis, construit. Il ne lui manque que ce supplément de ferveur et de rage pour définitivement emporter complètement l’adhésion et susciter l’enthousiasme de l’auditoire. Un savoir-faire que Buddy Guy possède sur le bout des doigts. A soixante-quatorze ans, le bluesman a mené son concert comme un jeune homme, avec des chorus méchants. On le sait parfois susceptible de tremper son Chicago Blues dans de l’encre sympathique, avec des routines faciles. Cette fois, le bon Buddy a mis le feu au jardin, en performer né, avec une virée dans la foule ravie.

Photo: Buddy Guy par Romain Grosman

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